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Jouer droit: les servantes et le rêve d'une nuit d'été

Le goût du camp est une sorte d'amour, d'amour pour la nature humaine. Il apprécie, plutôt que de juger, les petits triomphes et les intensités maladroites du «caractère». Le goût du camp s'identifie à ce qu'il aime. Les personnes qui partagent cette sensibilité ne se moquent pas de ce qu’elles qualifient de «camp», elles en profitent. Le camp est unsoumissionner sentiment.

La citation est la note antépénultile du célèbre essai de Susan Sontag, intitulé «Notes sur le camp». Il existe une vérité essentielle dans la perspicacité, mais aussi quelque chose qui rend le jugement inattentif de l'adepte du camp. Le camp, après tout, relève plus fort de la tête quand ce n’est pas prévu, et c’est précisément dans de telles situations que la ligne de démarcation entre ce que Sontag distingue comme «impitoyable» et le «doux» cynisme est difficile à discerner. Une fois, j’ai vu une adaptation musicale de «chambre» de petite distribution (mais fastueuse) deDracula qui visait à atteindre le mythe "original" sous toutes les "couches" du camp. Le problème, c'est qu'il n'y a pas de mythe original sous les couches du camp - c'est le camp tout en bas. Et mettre en scène le mythe avec une profonde ferveur ne permettait pas au public de vivre une expérience émotionnelle plus profonde, mais une expérience de camp naïf - le spectacle était affreux et involontairement hilarant. J'ai presque dû quitter le théâtre; Je n'ai pas pu m'empêcher de rire aux éclats des moments les plus graves. C'était une façon de profiter du spectacle - aucun autre moyen de profiter ne s'est présenté à moi - mais je n'étais assurément pas en train de rire avec le spectacle ni avec ses créateurs. J'en riais. Et la tendresse et la générosité d'esprit que Sontag identifie comme essentielles à la sensibilité du camp dépendent du partage de cette sensibilité.

Le moyen le plus simple de partager cette sensibilité consiste à faire du «camping» - à créer de façon consciente quelque chose de vulgaire et de beau, à faire quelque chose de si mauvais, de bien, de trop exagéré et de juste, et de faire savoir au public que vous savez ce que vous faites et qu’ils le devraient aussi. Mais alors, voici Sontag (dans sa note 18ème) pour rendre un jugement négatif sur de tels efforts: «Pure Camp est toujours naïf. Un camp qui se sait camper ("camper") est généralement moins satisfaisant. "

J'ai médité sur les utilisations et les utilisations abusives du camp ce matin, à cause de deux spectacles que j'ai récemment vus qui traitaient, de manière très différente, de la double vision que le camp impose - la perspective «en-dedans» qui prend des événements sérieusement, et la perspective «avec-cela» qui est conscient de l'artifice et en raffole. J'ai trouvé les deux productions intéressantes, mais ni entièrement satisfaisantes, et je voulais comprendre pourquoi.

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La première production que j'ai vue le mois dernier était la production de Jean Genet par Jesse Berger.Les servantes au théâtre Red Bull. Je suis un grand fan du travail de Berger, et l'une des raisons est qu'il accepte des œuvres - la tragédie jacobine, la plus évidente - qui risquent fort d'être transformées en camp, et il évite apparemment sans effort ce destin. Je pense à sa production deLa Hollandaise de Malfi en particulier, qui peut fonctionner exceptionnellement bien en camp, et qui peut échouer de façon désastreuse (et campement), s'il est traité avec sérieux. Berger semblait comprendre qu'il s'agissait d'un travail sur deux êtres humains bien réels - le titulaire néerlandais et le cynique voyou pour compte embauché Bosola - vivant dans un monde de pervers camper. C'est ainsi qu'il a repris ses idées les plus folles, les plus extravagantes, voire les plus campeuses, pour mettre en scène ce monde - le plus extraordinaire étant le numéro musical de Busby-Berkeley-via-David-Lynch inséré dans la séquence de Madhouse - tout en exigeant que ces deux principes restent vrais dans leurs réactions à cette folie, ne suggérant jamais queils pensaient qu'ils étaient juste dans une pièce de théâtre. C'était un tour de force.

Berger a abordé la pièce de Genet dans le même esprit. Il l'a mis en scène dans une chambre dans une boîte, le public placé juste en dehors des murs de la pièce des quatre côtés. Nous devenons les voyeurs de ce petit monde de serre - et, lorsque nous voyons nos compagnons de voyeur tout autour, conscients de nous-mêmes en tant que tels. Et la salle est décorée dans le style du camp - velours rouge sang et glaïeuls partout. Claire (Jeanine Serralles) et Solange (Ana Reeder) entrent et commencent à jouer leur drame S & M de maître et serviteur, jusqu'à la fin du temps imparti, et ils doivent retourner dans le monde réel, dans lequel ils sont tous deux serviteurs -le loin madame.

Jusqu'ici tout va bien, et il continue avec son pouvoir viscéral - jusqu'à ce que Madame (J. Smith-Cameron) entre.

Madame, dans cette production, est la réalité absurde et démesurée à laquelle les deux serviteurs, les deux vrais êtres humains, doivent s'accommoder. Les serviteurs changent immédiatement - Mme Serralles en particulier, sa Claire rétrécissant physiquement sous nos yeux dans l'ombre glorieuse de Madame. Madame doit être une force terrible pour avoir cet impact sur ces deux femmes.

Mais la performance de Smith-Cameron est fondamentalement campeuse et timidement consciente - c’est un exemple de «camping». Elle voltige, elle aspire et poudre, elle jette ses yeux et ses bras, elle souligne chaque mot qu’elle dit. Il est impossible de la prendre au sérieux. Plus important encore, il est impossible d'avoir vraiment peur d'elle. Et pourtant, Claire et Solange sont, de toute évidence, terrifiées.

Je n'avais jamais vu Genet auparavant, et il pensait sans doute que cette pièce disait quelque chose d'important sur la dynamique sadomasochiste de la relation maître-serviteur. Mais il avait initialement prévu que la pièce soit interprétée par des acteurs masculins. Pour moi, cela suggère que la performance de la féminité était au moins aussi importante pour lui que la dynamique de classe. Et la performance (masculine) de la féminité est très proche du cœur de la sensibilité du camp.

La vie de Madame est artificiellement transparente - c'est ce qui fait d'elle une créature de camp. Il n'y a rien de réel dans son monde, dans sa relation avec Monsieur, dans le crime pour lequel il est en prison ou dans le crime que les domestiques commettent contre elle. Mais elle se sent plus réelle, pour ses propres serviteurs, que pour eux-mêmes. Ils se fondent devant elle. et quand elle est partie, ils jouent à être elle et rêvent de la détruire. Ce brouillage de la réalité et de l'artifice, la suggestion que l'artificiel est plus convaincant, plus réel même que le réel, est également proche du cœur du camp. Mais d’une manière ou d’une autre, voir ces serviteurs aimant et haïssant désespérément cette créature de camp, une femme manifestement idiote, se sentait pathétique au lieu d’être rempli de pathétique. Je commençais à m'éloigner et voyais le dispositif de Genet comme un artifice. Le drame lui-même a commencé à paraître campy.

Et je me suis demandé à quel point ce serait différent si Solange et Claire étaient joués par des hommes, alors que Madame jouait par une femme; si le campy, dominatrice artificielle, était la vraie femme, les serviteurs la haïssaient et aspiraient à être elle, mettant en scène le pathos des hommes aspirant à devenir ce qu'ils ne pouvaient être qu'à travers l'artifice du camp.

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Le dernier acte de Shakespeare Le songe d'une nuit d'été comprend une illustration presque parfaite de ce que Sontag parlait quand elle a loué le camp. Peter Quince, Bottom et le reste des Mechanical ont travaillé dur sur leur petite production de «la comédie la plus lamentable et la mort la plus cruelle de Pyramus et Thisby», mais comme vous l'avez peut-être deviné à la description absurde, la pièce est affreuse, Theseus, le roi pour qui le divertissement est prévu dans le cadre de son mariage, en est dûment averti. Mais Thésée ne sera pas prévenu:

J'entendrai ce jeu;
Pour jamais rien ne peut être mal,
Quand la simplicité et le devoir le demandent.

Nous sommes donc ravis de ce qui dans la plupart des productions est un plaisir distinct: le plaisir généreux de Sontag dans quelque chose de terrible. Vous ne pouvez pas dire par inadvertance horrible, car bien sûr, Bottom et Snug, Snout, etc. sont joués par des acteurs professionnels, jouant délibérément mal (camping de Sontag) - mais, si la production est bonne, nous l'oublions et pensons nous regardons Bottom and Snug and Snout, des personnages que nous avons appris à aimer et que nous considérons comme réels, et envers lesquels nous nous sentons aussi généreux que Theseus, et nous aimons leur jeu parce qu’ils le pensent avec tant de sérieux alors même qu’il est affreux ( Camp naïf de Sontag).

La production actuelle de Rêver chez Classic Stage - une autre compagnie que j'aime beaucoup - adopte une approche différente. Le réalisateur Tony Speciale commence à faire camper ses joueurs dès le début, et certainement au moment où Puck, inspiré par Taylor Mac, sort de son costume de singe pour révéler un costume du corps à rayures rouges et blanches et un énorme blond Afro, le premier d'une série de costumes merveilleusement scandaleux - nous savons que c'est une production qui prend l'idée de "fées" plutôt à la lettre. («Vous ne vous attendiez pas à cela!», Déclare-t-il en sortant de la combinaison de singe, dans l'un des nombreux côtés non shakespeariens, dont le meilleur était, pour une femme au premier rang, «atteindriez-vous sous votre asseyez-vous chéri et donnez-moi mon ukelele? ”) Le milieu de la pièce est rempli de magie théâtrale inspirée, tout en campade - le véritable déluge de pétales de roses qui enterre Titania; la fleur violette gonflée d’amour pour oisiveté qui enchante les yeux des amants en les faisant gicler; Oberon (joué avec panache d'Anthony Heald) et Puck, désireux de voir se brouiller les amants perplexes, s'installant sur des chaises de plage avec du maïs soufflé fourni par les mains sortant du mur du fond en miroir de la scène; et ainsi de suite. C'est merveilleux.

Mais cela laisse un problème à la production: que vont faire les mécaniques pour la finale? Ils ne peuvent certainement pas dépasser cela. Alors ils n'essayent pas. Pour une fois, le jeu dans le jeu se joue (principalement) en ligne droite, les joueurs grossiers tout en noir basique, accompagnés d'une guitare mélodique si exceptionnelle jouée par Peter Quince (un Rob Yang terne). Il existe diverses mauvaises blagues, mais Pyramus de Bottom (un copieux Steven Skybell, vu pour la dernière fois sous le nom de Sagredo dans la production de Galilée) et Flute's Thisbe (David Greenspan, tristement féerique, vu pour la dernière fois au CSC, jouant la reine Elizabeth dans leur production deOrlando) visent de véritables émotions dans leurs performances. Le résultat est un jeu qui est mauvais, mais pas, malheureusement, si bon que c'est bon; et la dérision de la houle dans l'auditoire se révèle désagréable en conséquence. Ils ne peuvent qu'apprécier le jeu, semble-t-il, en le rendant encore pire.

La production pose d'autres problèmes, en particulier le manque de clarté émotionnelle dans les représentations des amants (ce qui n'est pas aidé par un contexte contemporain qui rend la fuite urgente d'Hermia d'Athènes pour échapper à une sentence de mort franchement incompréhensible). Les amants devraient être stupides, mais je ne pense pas qu'ils devraient être triviaux, et c'est ce qu'ils ressentent ici. Non seulement je ne peux pas croire que quelque chose de grave va arriver si les amants ne sont pas correctement triés - je ne suis même pas convaincu qu'ils se sentiront aussi mal. Mais le gros problème est celui de la structure, qui découle du rapport de la production au camp. Rêver, normalement, nous donne des merveilles sous la forme des fées, puis une version de camp de cette merveille sous la forme du mauvais théâtre des Mechanicals. Et quand nous rions avec (pas vraiment) les grossiers Mécaniques, c'est essentiellement parce que nous avons déjà été complètement séduits - de même que les fées elles-mêmes - par Bottom. Parce qu'il dit des choses comme ça:

PEASEBLOSSOMSalut, mortel!

ARAIGNÉESaluer!

PAPILLON DE NUITSaluer!

GRAINE DE MOUTARDESaluer!

BASJe pleure de tout mon coeur la miséricorde de ton adoration: je t'en supplie
nom du culte.

ARAIGNÉEAraignée.

BASJe te désirerai plus de connaissance, bon Maître
Toile d'araignée: si je me coupe un doigt, je vais faire de l'audace avec
toi. Votre nom, honnête gentleman?

PEASEBLOSSOMPeaseblossom.

BASJe vous prie, recommandez-moi à Mistress Squash, votre
mère, et à Maître Peascod, votre père. Bien
Maître Peaseblossom, je vous désirerai plus
connaissance aussi. Votre nom, je vous en prie, monsieur?

GRAINE DE MOUTARDEGraine de moutarde.

BASBon maître Mustardseed, je connais bien votre patience:
ce même boeuf-bœuf lâche et géant a
dévoré beaucoup un monsieur de votre maison: je promets
vous, votre famille, m'avait fait arroser les yeux avant maintenant. je
désire plus de connaissances, bon maître
Graine de moutarde.

À moins que quelque chose ne me manque, tout ce dialogue, qui parle de l'innocence gagnante de Bottom, a été coupé dans cette production. Je suppose que cela a été coupé parce que cette innocence désarmerait les fées de leur armure de camp. Et le réalisateur économisait ce moment de désarmement pour la fin de la production.

Puck est la seule fée qui ne disparaisse pas à l'aube, mais qui reste peste et amusera le public à la sortie du théâtre. L'honneur de l'épilogue lui est accordé. Dans cette production, Puck partage le casting avec Egeus, le père frustré d’Hermia, et il commence l’épilogue (repris par le reste du casting) sous le nom d’Egeus, l’homme triste derrière le maquillage de clown de Puck, qui termine son discours en poussant son face à sa part de gâteau de mariage, réappliquant ainsi son maquillage d’une manière métaphorique qui montre bien à quel point il est en colère de devoir le faire.

Je ne comprends pas tout à fait ce que le réalisateur voulait dire par là, mais cette colère est ce qui m’a traversé et qui m’a dit ceci: vous vous moquez des singeries de ces fées, mais nous ne rions pas; nous pleurons, même si nous vous faisons rire. Parce que (encore une fois, je présume), nous ne sommes pas invités à organiser nos propres fêtes de mariage.

C’est un drôle de message pour un public new-yorkais, et j’ai peut-être mal compris, mais si j’en ai, je ne sais vraiment pas quelle est la fin, avec son brusque changement de ton si complètement opposé au texte. En tout état de cause, cela remet en question l’ensemble de la production, nous demandant en fait de remettre en question nos réponses aux parties mêmes de la production qui ont fonctionné le mieux. Je l’aimais bien, à sa façon brechtienne qui donne à réfléchir. Mais même après y avoir médité, je ne suis pas parvenu à une conclusion définitive quant à ce que Speciale pense du rôle du camp, du camping, du théâtre ou de l'amour.

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